Introducción a la música clásica
¿Qué es música?
Todos los días en todo el mundo, miles de millones de personas escuchan música de un tipo u otro, y millones escuchan música clásica occidental. ¿Por qué hacemos eso? ¿Porque es divertido? ¿Porque nos da energía o nos relaja? ¿Porque nos mantiene actualizados, nos permite entender lo que sucedió en el pasado y la cultura popular? El atractivo de la música, especialmente la música clásica, nunca se explica. El objetivo de este curso es precisamente eso: explicar el misterio y la belleza de algunas de las mejores composiciones musicales de la cultura occidental, entre ellas las obras maestras de Bach, Mozart, Beethoven, Wagner y Puccini.
Comenzamos con elementos musicales, dividiendo la música clásica en componentes de tono, duración y tono, lo que nos permitió comprender mejor cómo funciona la música. A continuación, pasamos a sus propias composiciones, comenzando con la Edad Media y el Renacimiento, para mostrar cómo la música occidental se desarrolló de una manera única en Occidente. Finalmente, llegamos a los maestros, comenzando por Bach. ¿Qué hace buena música? ¿Por qué nos conmueve? ¿Qué deberíamos escuchar? Así que rastreamos la historia de la música occidental, visitando a casi todos los que la crearon y los lugares donde la hicieron. ¡Al final, esperamos que todos seamos más humanos (enriquezcamos nuestras personalidades) y nos divirtamos!
Cómo funciona la música, es mágico.
¿Qué es música? ¿Es la música solo una organización de sonido y silencio que pasa a través del tiempo? ¿O más? El poeta Víctor Hugo creía que la música era “lo que se siente”. En este primer módulo, analizaremos la afirmación aparentemente simple de Hugo tomándonos un tiempo para preguntar cómo y por qué la música evoca emociones fuertes en personas de diferentes culturas. Comenzaremos observando el funcionamiento interno del oído humano para determinar cómo nuestro cerebro procesa las ondas sonoras.
Luego, viajaremos a diferentes partes del mundo, comparando y contrastando la música tradicional y popular occidental con sonidos de diferentes regiones y culturas. ¡Descubrirás que es la cultura y la física de la música las que determinan por qué amamos la música que amamos! A partir de ahí, estaremos listos para ver los elementos básicos de la composición musical; ritmo, melodía, textura, etc. También examinaremos cómo los compositores clásicos usaron estos elementos en algunas de sus obras más famosas y cómo Grupo de Música los artistas modernos todavía los usan hoy. Finalmente, veremos cómo los elementos de la composición musical han evolucionado a lo largo del tiempo y cómo se traducen a un lenguaje universal que millones de personas disfrutan y entienden.
Sonido de la musica
¿Alguna vez te has preguntado qué hace que la música a veces suene rica y lujosa y, a veces, extraña y misteriosa? Bueno, suerte en este módulo, vamos a sumergirnos en cómo se ven las propiedades de sonido y textura simultáneamente. Comenzaremos observando los acordes, específicamente cómo los tres tipos de tríadas (tónica, dominante y subdominante) construyen la base sobre la que se pueden construir las melodías.
Una vez que comprendamos las reglas de la sintaxis musical, estaremos listos para aprender sobre el desarrollo de la música, incluidos los tres tipos de ritmos. También veremos las tríadas mayores y menores y cómo funcionan. Luego, aprenderemos a escuchar el bajo y enfocarnos en la armonía de una canción. Por último, les hablaré sobre cuatro grupos de instrumentos musicales (viento, percusión, cuerda e instrumentos de viento) y las diferentes texturas, formas y estilos de música que pueden crear. ¡Interesante!
La música está de vuelta en el día
¡Cubriremos la evolución de la música durante mil años durante esta lección de módulo! Comenzaremos con la Edad Media con una mirada al canto funcional y la música de baile, luego pasaremos al período del Renacimiento y terminaremos escuchando melodías de ópera ornamentadas que se escucharon durante el período barroco temprano. A partir de aquí, comenzará a ver cómo los avances en la notación musical han permitido que las composiciones se vuelvan más específicas y complejas.
Estos avances fueron, en última instancia, responsables de desviar el enfoque de los intérpretes hacia los compositores mismos. En el camino, destacaremos algunos de estos inventores e innovadores musicales, como Hildegard de Bingen y Johann Pachelbel. También tendremos la oportunidad única de ver (y en algunos casos incluso escuchar) muchos de los instrumentos que fueron populares durante estos diferentes períodos de tiempo. Este sería un verdadero placer, hecho posible con la ayuda del instructor de Yale, Grant Herreid. ¡Muchas gracias!
Era barroco
Novelistas, poetas, pintores, matemáticos e incluso geólogos hablan de estructuras “parecidas a una fuga” en los medios de comunicación y sus disciplinas. Pero, ¿qué es la fuga y cómo la conseguimos? Para averiguarlo, nos adentramos en el mundo de la música barroca y el célebre maestro de la fuga, Johann Sebastian Bach. Primero, tendremos la oportunidad de “vivir” durante el período barroco al echar un vistazo detallado a la vida, la carrera e incluso el hogar de Bach: explorar dónde y cómo vivían Bach y su familia, discutir la música de Bach y hablar sobre la música barroca. técnica en su conjunto.
Además, la música de Bach se comparará y contrastará con la música contemporánea de su homólogo alemán, George Frideric Handel. Se podría decir que Bach es un idealista y Handel es realista en lo que respecta a la música, así que veremos cómo estos rasgos de personalidad influyen en el estilo musical de cada compositor. Finalmente, terminaremos el módulo con una introducción a la música de la época clásica, y ¿quién mejor para dirigir que el inigualable Wolfgang Amadeus Mozart?
La Era Clásica
¿Crees que en algún momento la composición musical se consideraba un entretenimiento desechable? ¿Te imaginas una orquesta tratando de poner una hermosa obra sobre los ruidosos clientes de un casino? ¿Qué tal un violín ahogado por un perro que ladra ruidosamente fuera del café? Bueno, esta es la realidad antes del cambio del siglo XVIII. No fue hasta alrededor de 1800 que la gente comenzó a apreciar la composición musical, como lo hacen hoy.
Este es el mismo momento en que comenzamos a ver grandes salas de conciertos hechas especialmente para escuchar conciertos. En poco tiempo, la música se veía como algo que había que elevar y aprender, es decir, se convirtió en “High Art”. Esta semana, comenzaremos escuchando la Música Folk de Haydn y Mozart, poniendo nuestra base, por así decirlo, en forma musical. A medida que continuamos, también veremos dónde y cómo vivían, compararemos cómo escribieron e interpretaron su música e incluso miraremos algunos de los instrumentos que tocaron hace muchos años.
Pasaremos la parte final de este módulo destacando dos figuras que se encuentran en el corazón de la música occidental. Primero fue Mozart, un innovador bien vestido, confiado, excéntrico y siempre brillante. Exploraremos su música a través de la lente de tres obras maestras artísticas: conciertos de piano, ópera y Misa de Réquiem … Examinaremos las características únicas de la música que la han convertido en el estándar de oro de toda la música en los siglos venideros. Quizás el punto alto (o bajo) llega cuando su instructor es la crueldad que está siendo asesinado en el escenario por el imprudente Don Giovanni.
Luego pasaremos a Beethoven, un genio apasionado, conflictivo y, a menudo, desaliñado. Su apariencia física puede haber servido como prototipo estereotipado, “poeta luchador” o “genio atormentado”. Estudiaremos algunas de sus sonatas más famosas, incluida su Moonlight Sonata, y luego iremos más allá de su música para explorar su vida personal, incluidas sus luchas con la sordera y la depresión.
El puente de los clásicos al romance
Si pudieras poner una banda sonora para la Revolución Francesa, ciertamente contendría música del período “Heroico” de Beethoven, durante el cual, “trajo el sonido a la sinfonía”. Veremos cómo la incorporación de los nuevos instrumentos de Beethoven, así como su creación de una gran orquesta, hace que sus sinfonías sean mucho más ruidosas y “sonoras claras” que las sinfonías de sus predecesores. El punto focal aquí es una comparación de la música de época “Heroica” de Beethoven, representada por la Sinfonía núm. 5, con su período “Tardío”, que está simbolizado por su famosa Oda a la Alegría.
También consideraremos a Beethoven como un hombre, como se revela a través de la fuente principal de su vida en ese momento. Pintan un cuadro desaliñado y de aspecto salvaje de Beethoven, que vive entre la suciedad y el caos y está consumido por su trabajo. La pregunta final: ¿cómo afecta su vida de aislamiento y discapacidad auditiva la naturaleza (estilo) de la gran música que crea? Cuando le preguntamos a Beethoven aufwiedersehen, recurrimos al romanticismo musical perfecto.
La música romántica, y de hecho todo el arte romántico, es conocida por sus puntos de vista idealistas sobre el amor y la naturaleza. Ocurriendo aproximadamente entre 1820 y 1900, el romanticismo musical vio la evolución de los estilos musicales, así como un cambio en el lugar (lugar) para las actuaciones musicales. Aparte de su aristocracia y palacios reales, una poderosa clase media surgió en Europa durante este período.
Con la música de Franz Schubert que siempre es lírica, entraremos en el salón de las casas de clase media y alta, para sentir la música de cámara y los cantos domésticos. Terminaremos el módulo haciendo la pregunta: ¿Cómo usamos los sonidos musicales para comunicarnos? Mirar un programa musical (música instrumental que usa movimientos musicales para contar una historia) nos ayudará a resolverlo.
Después de una breve descripción auditiva de cómo funciona la programación musical (seguiremos a Vivaldi en un día de primavera), veremos a Héctor Berlioz irse al infierno. Más precisamente, vamos a seguir la secuencia de movimientos musicales que utiliza para recrear esta fantástica historia de persecución, destrucción y maldición. Después de estudiar nuestra lección, terminaremos con un poco de diversión mientras intentamos unir los temas extraídos de las diversas sinfonías con las imágenes mentales que el compositor tenía en mente. ¿Habla con fluidez el lenguaje de la programación musical? Unete a nosotros y descubre!
Era Romántica
El Módulo 8 comenzará con un recorrido por la increíble colección de teclados de Yale; probablemente el mejor de su tipo en el mundo. Echaremos un vistazo a instrumentos completamente funcionales en todas las formas y tamaños, ¡algunos se remontan a la época de Mozart y antes! Echaremos un vistazo a las marcas y estilos preferidos de algunos de los mejores pianistas de todos los tiempos, Haydn, Beethoven, Liszt, Chopin y Schubert, por nombrar algunos.
Incluso escucharemos algunos de los instrumentos tocados por el pianista y educador musical Robert Blocker. Su interpretación nos ayudará a escuchar exactamente cómo los avances tecnológicos cambiaron el sonido y las habilidades del piano durante este período. Nuestra próxima sesión, este módulo cubre un tema algo polarizado: Opera. Mucha gente piensa que Opera es demasiado artificial, demasiado larga y, a veces, aburrida; otros disfrutan nada más que esta forma de arte glamorosa. Nos tomaremos el tiempo para demostrar la fuerza y la belleza, de hecho, la magia de Opera.
Tal vez podamos persuadir a algunos detractores en el camino. Dado que es imposible cubrir todas las óperas románticas en una hora, nos concentraremos en las obras maestras de Verdi y las innovadoras obras musicales de Wagner. Quizás el único personaje con el que Beethoven se puede comparar en términos de originalidad e innovación musical, Wagner cambió el rostro de la música del siglo XIX. Exploraremos a Wagner analizando brevemente su ciclo de anillo. Este innovador ciclo de libretos, basado en la mitología nórdica, contiene algunas de las músicas más emblemáticas y conocidas de la época. El uso de Wagner del “motivo leit” permite una narración detallada, con música que transmite incluso los pensamientos subconscientes de los cantantes en el escenario, una hazaña verdaderamente revolucionaria.
Su trabajo servirá de inspiración para escritores y cineastas como Tolkien, Lewis, Lucas y Martin, sin mencionar a innumerables compositores. En la lección final de este módulo, ampliaremos nuestro enfoque en mirar a la orquesta como un todo durante el período Romance. Solo 60 años después de que Mozart dirigiera una orquesta de treinta y cinco músicos, no es raro ver a Wagner y Mahler dirigiendo un conjunto de más de 100 miembros.
Además de aumentar el número, los propios instrumentos también cambiaron. Avances en la tecnología, convirtiendo instrumentos unidimensionales anteriores, como el corno francés, en un instrumento versátil, capaz de proyectar melodías a todo color. Esta nueva versatilidad permitió a compositores como Brahms y Mahler experimentar y redefinir para siempre la instrumentación orquestal.
Música para presentar
Cuando piensas en el impresionismo, probablemente piensas en pinturas, posiblemente en los hermosos lienzos de Claude Monet. Pero el estilo emocionalmente evocador y poco realista del impresionismo impregna todos los aspectos del arte. Para la música, otro Claude, esta vez Debussy, simboliza el movimiento impresionista. Después de conocer las vidas a veces embarazosas de algunos de los compositores más famosos de la historia, es posible que se sorprenda al saber que Debussy lleva una vida bastante superficial, sin depresión, psicosis o tragedia familiar de la que hablar. ¡Pero de la vida ordinaria puede surgir una música extraordinaria!Veremos tres partes, desde el principio, la mitad y el final de su carrera, respectivamente, para ver cómo el estilo de Debussy pasó de un romanticismo más orientado a objetivos al estilo de la “vida actual” que luego definió al impresionismo.
Después de una breve lección de guitarra impartida con la ayuda del talentoso Solomon Silber, pasaremos al período modernista. Como todo el mundo sabe ahora, los estilos musicales cambian constantemente. A veces, los cambios son sutiles, como un cambio de la música clásica a la romántica. Sin embargo, en otras ocasiones, se producen cambios como el Tsunami contra tradiciones anteriores. Esto es lo que experimentamos cuando usamos el amplificador de sonido Modernism. A principios del siglo XX, compositores como Igor Stravinsky y Arnold Schoenberg abandonaron las melodías y escalas tradicionales.
En pocas palabras, los espectadores a veces son menos receptivos a estos cambios. Escucharemos ejemplos de música que provoquen hostilidad en la audiencia y discutiremos qué parece hacer que esta música sea tan inaccesible, a veces francamente desagradable, para la mayoría de los oyentes. Cerraremos esta semana, y nuestro curso, con Posmodernismo y Minimalismo. Veremos cómo compositores como Aaron Copland devolvieron la música orquestal a la sociedad clasificándola en los términos más básicos. Luego, escucharemos cómo artistas como Philip Glass y John Adams toman esta idea y la ejecutan, creando movimientos cautivadores tipo trance en torno a las ideas más simples.